Индивидуальный проект Музыка и театр эпохи Возрождения

20

МИНИСТЕРСТВО ОБРАЗОВАНИЯ И НАУКИ

ДОНЕЦКОЙ НАРОДНОЙ РЕСПУБЛИКИ

ГПОУ «МАКЕЕВСКИЙ ПЕДАГОГИЧЕСКИЙ КОЛЛЕДЖ»

ИНДИВИДУАЛЬНЫЙ ПРОЕКТ

по дисциплине ОДБ.10 «Мировая художественная культура»

по теме: «Музыка и театр эпохи Возрождения»

Студентки 11 группы школьного отделения

Апанасовой Александры Леонидовны

Руководитель: Хуторцова Ирина Алексеевна

Оценка: ______________ _____________________

_{(подпись руководителя)}

Макеевка, 2017 г.

СОДЕРЖАНИЕ

ВВЕДЕНИЕ 3

ГЛАВА 1. НАЧАЛО ВОЗРОЖДЕНИЯ 4

ГЛАВА 2. МУЗЫКАЛЬНОЕ ИСКУССТВО ВОЗРОЖДЕНИЯ 5

1. Основные жанры музыки Возрождения 5

2. Эстетические особенности музыки Возрождения 7

3. Композиторские школы эпохи Возрождения 9

4. Музыкальные инструменты эпохи Ренессанса 10

ГЛАВА 3. ТЕАТР ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ 11

3.1 Театральное искусство Италии 11

3.2 Основные жанры театра 12

3.3 Здание театра и сцена 16

3.4 Живой диалог 17

ЗАКЛЮЧЕНИЕ 19

СПИСОК ИНФОРМАЦИОННЫХ ИСТОЧНИКОВ 20

ПРИЛОЖЕНИЕ

ВВЕДЕНИЕ

Когда мы говорим о Возрождении, перед нашим мысленным взором предстают картины, созданные великими мастерами — Леонардо да Винчи и Рафаэля, Микеланджело и Боттичелли, Джорджоне и Тициана, Дюрера и Хольбейна. Возрождение — это поэзия Петрарки и Ронсара, Камоэнса и Яна Кохановского, это романы Рабле и Сервантеса, новеллы Боккаччо, это гениальные идеи Джорджоне Бруно и Галилея в науке, Томаса Мора и Томмазо Кампанеллы, основоположников утопического социализма. Возрождение недаром называют эпохой титанов — в их ряду и такие гениальные драматурги, как Уильям Шекспир и Лапе де Вега.

Я выбрала эту тему, потому что она актуальна в наше время. Мне очень хотелось бы углубить знания о музыке Возрождения, которая тесно связана с театральным искусством; определить, какое влияние оказала эта эпоха на современную культуру.

ГЛАВА 1. НАЧАЛО ВОЗРОЖДЕНИЯ

Возрождение возникло в Италии в XIV веке. Во Франции, Германии и других странах это движение началось значительно позже. К концу XV века оно достигло своего наивысшего расцвета. Высшей точки развития оно достигло в XVI веке. Отличительная черта эпохи Возрождения — светский характер культуры, её гуманизм и антропоцентризм (то есть интерес к человеку и его деятельности).

Всем известно, что Возрождение, или Ренессанс — одна из самых замечательных эпох в истории человечества. Она пришла на смену Средневековью и оказала огромное влияние на все последующее развитие культуры. Это была эпоха зарождения новых, капиталистических отношений. Они шли на смену феодальному обществу и несли с собой новый тип личности — активной, жаждущей познания, деятельной. В эту эпоху люди обратились к наследию античного мира, к творениям древних греков и римлян, пронизанным идеалами красоты, гражданской добродетели, к завещанному античностью образу человека, прекрасного телом и богатого душою. Эпоха Возрождения отмечена выдающимися научными достижениями: активно развиваются философия, физика, математика, астрономия, химия, биология, медицина и анатомия. Более того, само творчество художников и скульпторов подобно научным исследованиям, предметом которых становится абсолютно новый для этой эпохи объект — человеческое тело, а сами картины выступают как иллюстрации к трудам по анатомии. Особенно в эту эпоху большое значение придавали человеческому разуму, его безграничным возможностям, воспеванию творческих дерзаний разума, который в то же время способен подчинить своему контролю все чувственные побуждения, все добрые начала человеческой натуры. Начало Возрождения тесно связано со Средневековьем, оно возникло в период с византийскими, романскими и готическими традициями. Возрождение появлялось в разных странах Европы и каждое из них имело свои отличительные особенности.

ГЛАВА 2. МУЗЫКАЛЬНОЕ ИСКУССТВО ВОЗРОЖДЕНИЯ

Большинство музыкальных историков полагает, что эволюция ренессансной музыки охватывает период в 200-ти лет. Традиционно её разделяют на:

• музыку раннего периода Ренессанса, с 1400-го по 1467-ой год;

• музыку среднего периода Ренессанса, с 1467-го по 1534-ый год;

• музыку Позднего (или Высокого) Ренессанса, с 1534-го по 1600-ый год.

В музыкальной культуре Возрождения можно выделить несколько определяющих новаторских черт. Во-первых, бурное развитие светского искусства, выразившееся в повсеместном распространении множества светских песенных и танцевальных жанров. Это итальянские фроттолы («народные песни»), вилланеллы («деревенские песни»), канцоны (буквально – песни) и мадригалы, испанские вильянсико, французские песни шансон, английские баллады и другие. Все эти жанры, воспевающие радость бытия, интересующиеся внутренним миром человека, стремящиеся к жизненной правде, непосредственно отразили чисто ренессансное мироощущение. Для их выразительных средств типично широкое использование интонаций и ритмов народной музыки.

Эпоха Возрождения завершается появлением новых музыкальных жанров: сольной песни, оратории, оперы.

2.1 Основные жанры музыки Возрождения

• Мадригал.

Кульминация светской линии в искусстве Возрождения – мадригал. Название жанра означает «песнь на материнском языке». Развитие жанра шло от незатейливой одноголосной пастушеской песенки к 5-6-голосной вокально-инструментальной пьесе с утонченно-изысканным лирическим текстом. В числе поэтов, об­ращавшихся к жанру мадригала, – Петрарка, Боккаччо, Тассо. Замеча­тельными мастерами мадригала были композиторы А. Вилларт, Я. Аркадельт, Палестрина, О. Лассо, Л. Маренцио, К. Джезуальдо, К. Монтеверди. Возникнув в Италии, мадригал быстро распространился в других западноевропейских странах.

• Шансон.

Французская разновидность полифонической песни носит название шансон. От мадригала ее отличает большая близость к реальному, быто­вому. Среди создателей шансона – Клеман Жаннекен, один из самых знаменитых французских композиторов эпохи Возрождения.

• Полифония.

В эпоху Возрождения высочайший расцвет приобрела хоровая полифония, которая стала ведущим музыкальным стилем эпохи. Величавая и благо­звучная, она как нельзя лучше соответствовала торжественности церков­ной службы. В то же время полифоническое многоголосие было господст­вующей формой высказывания не только в духовных жанрах, но и в светских.

Развитие хоровой полифонии было связано, прежде всего, с творчест­вом композиторов нидерландской (франко-фламандской) школы: Гийома Дюфаи, Йоханнеса Окегема, Якоба Обрехта, Жоскена Депре, Орландо Лассо.

Орландо Лассо (около 1532-1594) работал во многих европейских странах. Дарование его, поистине феноменальное, покоряло и восхищало всех. В необъятном творчестве Орландо Лассо представлены все музыкальные жанры эпохи Возрождения (с пре­обладанием светской музыки над духовной). К самым популярным его произведениям относится «Эхо», написанное в жанре итальянской быто­вой песни. Сочинение построено на красочном сопоставлении двух хоров, создающем эффект эха.

Наряду с Орландо Лассо крупнейшим представителем Высокого Возрождения в музыке был итальянец Палестрина (полное имя Джованни Пьерлуи­джи да Палестрина, около 1525-1594). Большая часть его жизни прошла в Риме, где он постоянно был связан с работой в церкви, в частности, возглавлял капеллу собора святого Петра. Основная часть его музыки – это духовные произведения, прежде всего мессы (их более ста, среди которых особенно выделяется знаменитая «Месса папы Марчелло») и мотеты. Однако Палестрина охотно сочинял также и светскую музыку – мадригалы, канцонетты. Сочинения Палестрины для хора а сарреlla стали классическим образцом ренессансной полифонии.

• Месса.

Творчество композиторов-полифонистов сыграло ведущую роль в развитии главного жанра музыки эпохи Возрождения – мессы. Возникнув в эпоху Средневековья, жанр мессы в XIV–XVI веках стремительно преобразуется, продвигаясь от образцов, представленных отдельными, разрозненными частями, до сочинений стройной циклической формы.

В зависимости от церковного календаря в музыке мессы пропускались одни и вставлялись другие части. Обязательных же частей, постоянно присутствующих в церковной службе, пять.

• Инструментализм.

В эпоху Возрождения возросла роль инструментальной музыки. Если европейское Средневековье почти не знало профессионального инструментализма, то в эпоху Возрождения создается множество произведений для лютни (са­мый распространенный музыкальный инструмент того времени), органа, виолы, виуэлы, верджинала, продольных флейт. Они еще следуют вокаль­ным образцам, но интерес к инструментальной игре уже определился. Инструменты варьировались от крупных инструментов, таких как орган и клавесин, виола де гамба, к небольшим – арфе (позднее лютне), рекордеру. Постепенно композиторы начинают писать произведения только для инструментов без вокалистов. Инструменты использовались в церкви, во время праздничных и общественных мероприятий, в театральных постановках, в частных домах.

2.2 Эстетические особенности музыки Возрождения

Как и другие виды искусства, музыка в значительной степени находилась под влиянием событий, определяющих эпоху Возрождения в целом: рост гуманистической мысли, восстановление греко-римского классического наследия, инновационные открытия. Древние тексты были пересмотрены, вновь выступая объектом для изучения, а ещё они были отредактированы, но только в соответствие с развивающимися науками. В то время как все искусства и науки считались взаимосвязанными в древнегреческой культуре, гуманисты эпохи Возрождения их разделяли, выделяя и изучая их индивидуальные качества. Музыка, в частности, рассматривалась как экспрессивное искусство, способное повлиять на эмоции и чувства, то, что было неслыханным для средневекового времени.

Усилия по организации знаний в музыке включали упорядочение звукоряда так, что можно было бы установить взаимосвязи между нотами и человеческими эмоциями. Важно и то, что музыкальная культура Возрождения характеризуется концепцией гуманизма. Благодаря гуманизму произошло смещение интеллектуальных акцентов – с повсеместного доминирования религиозной мысли к возможностям и достижениям светского человека. Индивидуальный творческий гений человека находился в гораздо более высоком положении. Это означало и то, что многие композиторы были признаны. Впрочем, в большей степени ренессансная музыка все-таки являлась духовной, как и в средневековое время, но «гуманистические» изменения повлияли на поиски более яркой выразительности в ней – для достижения совершенства.

Основная музыка периода раннего возрождения, написанная для важных церквей и королевских часовен, – это полифонические мессы и песнопения (мотеты) на латинском языке. Но в свете религиозных реформаций возникли новые виды духовной музыки, более того, столь грандиозные потрясения на церковной сцене привели к тому, что светская музыка набирала реальную силу и могла уже соперничать со своей «священной» коллегой.

2.3 Композиторские школы эпохи Возрождения

В начале XV столетия выдвигается английская школа полифонистов во главе с Джоном Данстейблом. Новый английский стиль, основанный на использовании трезвучий, продиктованный музыкальным ритмом сильно повлиял на бургундскую композиторскую школу. Наиболее важным среди композиторов бургундской школы был Гийом Дюфаи, чьё музыкальное творчество включало песнопения, мессы, светские произведения, характеризующиеся мелодичным лиризмом.

Далеко вперед шагнула теория музыки, выдви­нувшая целый ряд замечательных теоретиков. Это француз Филипп де Витри, автор трактата «Ars nova» («Новое искусство», где дано теоре­тическое обоснование нового полифонического стиля); итальянец Джозеффо Царлино, один из создателей науки о гармонии; швейцарец Глареан, основоположник учения о мелодии.

Движение, обозначенное как франко-фламандская школа, характеризуется сильным развитием полифонической вокально-музыкальной композиции, заложившей основу современной гармонии. Самые известные её представители: Йоханнес Окегем и Якоб Обрехт. Впервые в эпоху Возрождения появляется само понятие «композитор».

Изменяется фактура произведений, число голосов увеличивается до четырех, шести и более (известен, например, 36-голосный канон, приписываемый крупнейшему представителю нидерландской школы Й. Окегему). В гармонии господствуют консонирующие созвучия, употребление диссонансов строго ограничивается специальными правилами. Складываются мажорный и минорный лады и тактовая система ритмики, характерные для более поздней музыки. Все эти новые средства использовались композиторами для передачи особого строя чувств человека эпохи Возрождения — возвышенного, гармоничного, спокойного и величественного. Более тесной становится связь текста и музыки. Музыка начинает передавать настроение.

В XV—XVI веках возрастает значение искусства танца, появляются многочисленные трактаты и практические руководства по хореографии, сборники танцевальной музыки, в которые включаются популярные танцы того времени — бас-данс, бранль, павана, гальярда.

2.4 Музыкальные инструменты эпохи Ренессанса

Не смотря на то, что музыка на протяжении эпохи преимущественно зависела от вокала, всё больше начинают использоваться инструменты. Исполнители на инструментах иногда аккомпанировали певцам, время от времени заменяли некоторые голоса, если не было певцов.

Музыкальные инструменты варьировались от крупных, таких как орган и клавесин, виола, к небольшим – арфе (позднее лютне). Постепенно композиторы начинают писать произведения только для инструментов без вокалистов.

Музыка сильно повлияла и на придворные танцы, вводя широкий спектр инструментов для их сопровождения. Инструменты использовались в церкви, во время праздничных и общественных мероприятий, в театральных постановках, в частных домах.

ГЛАВА 3. ТЕАТР ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ

В эпоху Возрождения стала изучаться античная теория драмы. Эта эпоха ознаменовалась не только формированием нового гуманистического мировоззрения, но и многими великими открытиями и изобретениями, а также — бурным всплеском развития культуры и практически всех видов искусства.

В термине отразилась главная тенденция искусства той эпохи — ориентация на классические образцы античного искусства, которое на протяжении десяти веков (после падения Римской империи в V веке) фактически находилось под запретом.

Если в эпоху Средневековья господствующее мировоззрение определяется конфликтом между духовным и плотским, между Богом и дьяволом, то в Возрождении основная доктрина заключена в гармонии, свободе, всестороннем развитии личности. На смену средневековым идеалам фанатического аскетизма приходят гуманистические идеалы, в центре которых — образ человека, свободного в своих мыслях и чувствах, хозяина своей судьбы, излучающего радость полнокровной жизни.

Ренессансный театр в разных странах Западной Европы имел свои индивидуальные особенности, резко отличающие его от театра Возрождения иных стран. Наиболее интересно и показательно ренессансный театр развивался в трех странах Западной Европы, причем основные линии развития имеют между собой очень мало общего.

На примере рассмотрим театр Италии в ренессансный период.

3.1 Театральное искусство Италии

Развитие нового театра, как и других видов искусств, началось в Италии. Именно там возникли новые формы театра и драматургии. Главные достижения театра приходятся на заключительный этап эпохи Возрождения — конец XVI и первую половину XVII веков. Это уже не Ренессанс, а послеренессансный период, в котором получили развитие новые художественные направления.

Итальянский театр в эпоху Возрождения существовал в двух разных обличиях: шли спектакли при дворах итальянских князей для избранной аудитории и представления на городских площадях.

В придворных спектаклях участвовали любители, представления не имели регулярного характера, их приурочивали к карнавальным празднествам. Сначала читали в лицах комедии римских авторов. Потом, так как латынь была непонятна, их стали переводить на итальянский язык, появились подражания. При дворах стали ставить пьесы итальянских гуманистов — комедии, трагедии, пасторали.

3.2 Основные жанры театра Возрождения

• Пастораль.

В придворном театре Позднего Возрождения широко распространяется жанр пасторали, удаленный от злобы дня и политических интриг. Пастораль с ее радостным приветствием жизни и человеческого чувства, культом утонченной идеальной любви, благородства избранных натур, отчуждением от всего грубого и реального в стилизованной форме изображала идеализированные аристократические нравы. Итальянская пастораль была воспринята многими европейскими драматургами XVI-XVII веков.

Пастораль, пастушеская драма. Термин имеет несколько значений.

1. Жанр придворного театра, возникший в Италии в XVI веке и получивший распространение в странах Западной Европы. Пастораль представляла собой небольшую пьесу, часто вводившуюся в программу придворных празднеств. В ней изображалась сельская жизнь галантных пастухов и пастушек, наделенных манерами, чувствами и лексикой аристократии.

Пастораль фактически ведет свое начало не от истинно театральных жанров — комедии и трагедии, но от «пастушеской» поэзии. В популярности пасторали мы находим косвенные свидетельства в пользу теории бесконфликтности театра итальянского Ренессанса. Пастораль рисовала особый, приукрашенный, идеализированный мир, не имеющий никакого отношения к реальной действительности. Именно пастораль в наибольшей степени соответствовала цельному и гармоничному ренессансному мироощущению, — и фактически разрушала театральное искусство, превращая спектакль в «живые картины». Тем не менее, пастораль сыграла существенную роль в истории и теории мирового театра. В пасторали окончательно закрепился драматургический канон, разработка которого была начата в ренессансной итальянской трагедии, а позже — была доведена до совершенства в теоретических работах французских классицистов: пятиактная структура, единство места, времени и действия, строгое социальное разделение персонажей по жанрам.

Поначалу пасторали исполняли придворные-любители. Позже в них стали принимать участие и профессиональные актеры. Большое внимание (как, впрочем, и во всех жанрах придворного театра) в пасторали уделялось постановочным эффектам и нарядным пейзажным декорациям.

2. Небольшая опера, пантомима, балет, написанные на сюжеты из сельской жизни. Первые пасторали, возникшие в XIV – XV веках являются предшественниками классической оперы.

3. Симфонический эпизод в музыкально-сценическом произведении, рисующий картины природы.

Обращение писателей-гуманистов к античной традиции в эпоху Возрождения вызвало расцвет пасторали во всех ее разновидностях.

Пасторальный роман — существеннейший этап формирования романа Нового времени: «Дон Кихот» Сервантеса превращается в «роман сознания» во многом благодаря наличию в нем пасторального плана. Но вскоре родился и новый драматургический жанр. Из всех жанров пастораль оказалась, пожалуй, сценически наиболее напряжённой. Сказывался опыт, перенятый у трагедии и комедии. В атмосфере общественного застоя, который не благоприятствовал развитию трагедии и комедии, пастораль стала излюбленным жанром. Она приносила отдохновение от мирских забот. Она создавала видимость желанной гармонии.

• Комедия.

Наибольший успех имел жанр комедии, может быть, потому что он больше других соприкасался с реальной действительностью. Этот род драматургии получил название «ученая комедия», потому что ее создателями были ученые-гуманисты, и рассчитана она была на ученую публику.

Первая знаменитая «ученая комедия» принадлежала Людовику Ариосто (1474-1533) — придворному комедиографу герцога, автору всемирно известной поэмы «Неистовый Роланд». Его «Комедия о сундуке», поставленная в 1508 году, была написана еще по римскому образцу, но имела самостоятельный сюжет и явное отношение к современному итальянскому быту. У Ариосто было много последователей, при дворах итальянских князей ставилось множество пьес, в основном комедийного жанра, в великолепных декорациях и с роскошными костюмами.

На фоне этих развлекательных пьес выделяется комедия Никколо Макиавелли (1469-1527) «Мандрагора». Под пером этого серьезного писателя сама комедия становится серьезней, окрашивается сарказмом. Жанр сатирической комедии стал разрабатываться и другими писателями Возрождения.

«Ученая комедия» послужила развитию комедийного жанра в Европе. Даже Шекспира и Мольера можно считать ее учениками.

• Комедия дель арте.

Высшим достижением итальянского театра эпохи Возрождения была народная комедия дель арте. Комедия дель арте (другое название — комедия масок) — импровизационный уличный театр итальянского Возрождения, возникший к середине XVI века и, по сути, сформировавший первый в истории профессиональный театр. Именно она способствовала превращению любительских спектаклей в профессиональное сценическое искусство. Новый народный театр рождался самостоятельно, в отрыве от литературной драматургии писателей-гумаʜᴎϲтов. Спектакли ставились во время праздников на площадях и улицах города. У них были разные названия: мистерии, священные представления, празднества. В их основе лежали религиозно-нравоучительные инсценировки эпизодов Священного Писания.

Комедия дель арте вышла из уличных праздников и карнавалов. Ее персонажи — некие социальные образы, в которых культивируются не индивидуальные, а типические черты. Пьес как таковых в комедии дель арте не было, разрабатывалась только сюжетная схема, сценарий, который по ходу спектакля наполнялся живыми репликами, варьировавшимися в зависимости от состава зрителей. Именно этот импровизационный метод работы и привел комедиантов к профессионализму — и в первую очередь, к выработке ансамбля,

повышенному вниманию к партнеру.

Определенная маска закреплялась за конкретным актером раз и навсегда, однако роль бесконечно варьировалась и развивалась в процессе каждого представления. Число масок, появлявшихся в комедии дель арте чрезвычайно велико — более сотни. Однако большинство из них было скорее вариантами нескольких основных масок. Реалистические традиции комедии дель арте сохранились и в творчестве итальянских драматургов и актеров Нового времени.

У комедии дель арте было два основных центра — Венеция и Неаполь. В соответствии с этим сложились и две группы масок. Стиль исполнения венецианской и неаполитанской комедии дель арте тоже несколько различались: венецианские маски работали преимущественно в жанре сатиры. А неаполитанские маски использовали больше трюков, грубых буффонных шуток.

Авторами сценариев чаще всего бывали главные актеры труппы. Первый печатный сборник сценариев был выпущен в 1611 году актером Фламинио Скала, который руководил известнейшей труппой «Джелози». Итальянская  комедия дель арте дала целое созвездие блистательных актеров (многие из которых были первыми теоретиками сценического искусства): Изабелла и Франческо Андреини, Джулио Паскуати, Бернардино Ломбардии и другие. С конца XVI века труппы стали широко гастролировать по Европе — во Франции, Испании, Англии. Ее популярность достигла своего пика. Однако к середине XVII века комедия начала приходить в упадок. Ужесточение политики церкви по отношению к театру вообще, и к комедии дель арте особенно, привело к тому, что комедианты оседали в других странах на постоянное местожительство. На сцене комедии дель арте были выработаны и закреплены главные законы театра — непрерывность развивающегося действия, коллективность творчества, связанность сценической игры партнеров.

• Трагедия.

Произведения такого типа в XVI веке создавались на основе сочинений Софокла, Еврипида и Сенеки. Это значило, что трагедии в еще большей степени, чем комедии, зависели от античных канонов.

3.3 Здание театра и сцена

Спектакли показывали в дворцовых садах, для чего сооружали временную сцену для актеров и амфитеатр для зрителей. Оформление же дворцовых спектаклей было весьма пышным. Для этих целей приглашали знаменитых художников, среди которых можно назвать Леонардо да Винчи, Рафаэля. В связи с тем, что для оформления спектаклей стали привлекать профессиональных живописцев, в этой области начали использоваться композиционные принципы новой живописи и в первую очередь принцип перспективного построения живописного пространства. В средневековом театре декорации на сцене устанавливались в одну прямую линию. В театре эпохи Возрождения эта система была заменена установкой декораций с использованием законов перспективы.

Поскольку наиболее часто устраивались театральные спектакли в Ферраре, первое театральное здание было построено именно в этом городе в 1528 году. В Италии сохранилось много развалин древних римских театров. В связи с этим планировка новых театров выполнялась с учетом опыта древних строителей.

Один из живописцев Серлио использовал при разработке проекта не только элементы античных театральных зданий, но и современное оформление сцены. Его театр был разделен на три части: зрительный зал, пространство перед сценой и сцена. Поскольку театральные постановки теперь осуществлялись в закрытом помещении, здание театра стали строить в виде прямоугольника. Половину зала занимал амфитеатр. Его ряды были расположены со строгим соблюдением рангов и чинов. Средняя часть зала – это полукруглая орхестра древнеримского типа и пустующее пространство по всей линии просцениума.

Амфитеатр был отдален от сцены для того, чтобы у зрителей создавалась оптическая иллюзия. Для этого же пространство сцены было разделено на две части: просцениум и задняя сцена. Весь спектакль проходил на просцениуме, а задняя сцена была предназначена для декораций. По обеим сторонам сцены были расположены макеты зданий, постепенно уменьшающиеся в размере. Это создавало иллюзию перспективно удаляющейся улицы. Для усиления этой иллюзии планшет сцены был приподнят. Объемные декорации сливались с задником, изображающим продолжение улицы, данное в перспективе. Кроме того, на заднем плане выводили кукол, которые напоминали отдаленных от линии просцениума людей. Но актеры ни в коем случае не должны были приближаться к декорациям второго и третьего плана, потому что сценическая иллюзия мгновенно терялась.

Поскольку в театрах ставили спектакли трех основных жанров, то Серлио создал три типа декораций: для трагедий (дворцовая площадь с храмами и аркадами), для комедий (городская площадь с обычными домами, лавками и трактирами) и для пасторалей (лесные пейзажи с ручейками и зелеными пригорками).

Этот проект не был воплощен в жизнь. Тем не менее принципы, которые Серлио изложил в нем, стали базовыми для многих итальянских театральных архитекторов. Самым оригинальным проектом стал театр «Олимпико» архитектора Андреа Палладио, в котором прекрасно сочетались амфитеатральный зрительный зал и перспективная сцена.

3.4 Живой диалог

Средневековый театр в своем развитии шел тем же путем, что и живопись. Все участники события одновременно появлялись перед зрителем, каждый занимал свое постоянное, ему отведенное место. Персонажи не обладали самостоятельными характерами, каждый выполнял предназначенную ему роль. Между актерами не было настоящего диалога, своими репликами, часто обращенными к зрителю, они сообщали то, что собирались совершить.

Перелом в развитии средневекового театра наметился на рубеже XIII-XIV веков. Актеры стали пытаться наглядно представить все то, о чем повествуется в Писании. Между актерами завязался живой диалог. Действие разворачивалось перед глазами зрителя в живой и наглядной форме. Для подъема и спуска актеров стали устраивать специальные механизмы. В XV-XVI веках занавес отделил пространство зрительного зала от действия на сцене. В спектакли проникало все больше бытовых, мирских, комических эпизодов. В спектаклях было много песен, танцев, комических трюков, ни на минуту не затихал озорной дух творческой инициативы. Краткая сюжетная схема разворачивалась в импровизированный спектакль.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Я выяснила, что эпоха Возрождения оказала значительное влияние на развитие музыки и театра. Эта эпоха провозгласила высокие гуманистические идеалы, дала великие научные достижения и великое искусство. В то время, и в наши дни нет людей, равнодушных к искусству. Художественные произведения наиболее полно выражают место человека в мире. Меня вдохновили архитектурные сооружения театров того времени на дальнейшее, более глубокое, исследование театра эпохи Возрождении. Музыка в этот период занимает особое место в системе искусств, уступая главенствующее место лишь живописи.

СПИСОК ИНФОРМАЦИОННЫХ ИСТОЧНИКОВ

1. Данилова Г. И. Мировая художественная культура. От истоков до XVII века. 10 кл. Базовый уровень: учеб. для общеобразоват. учреждений/ Г. И. Данилова.– 8-е изд., стереотип.- М.: Дрофа, 2010/- 366, [2] с.: ил.

2. Рапацкая Л. А. Мировая художественная культура. 10 класс. В 2-х частях. Ч. 1: [учебник]/Л. А. Рапацкая. – М.: Центр ВЛАДОС, 2012.- 375 с.: ил.

Интернет-ресурсы:

1. http://musike.ru/imk/renaissance/music

2. http://yunc.org/Музыка_эпохи_Возрождения

3. http://musike.ru/imk/renaissance/theater

4. http://lib.vkarp.com/2011/03/22/смирнова-л-н-гальперина-г-а-г-в-дятлев-2/

5. http://crossmoda.narod.ru/CONTENT/art/renessans/Renessans_condition.html